KOUICHI OGUCHI

AIという新しい制作手段と、人の感覚・記憶・工芸的な美意識を交差させながら、**「一度見て終わらない作品」**を探求しています。 制作で重視しているのは、単に美しいイメージを生成することではありません。遠くから見たときの強い第一印象、近づいたときに現れる素材や構造、そして見続けることで初めて気づく第二の像や意味。鑑賞する距離と時間によって、作品の読み方が変化することを目指しています。 紙の積層や破断、漆喰の亀裂、版画の擦れ、モザイク、顔料の隆起、金属的な反射など、伝統的な工芸や物質表現から着想を得る一方、鮮烈な原色、柔らかなパステル、幾何形態、負の空間、錯視なども用います。特定のモチーフや色彩を作家性として固定するのではなく、素材・空間・不在・変化そのものを視覚言語として扱うことを制作の核としています。 人物、動物、植物、建築、風景、抽象形態、あるいは影や空白まで、すべてが等しく作品の主役になり得ます。 作品の完成後も、意味まで完成させる必要はないと考えています。 「これは何だろう」 「こうなっていたのか」 「まだ何かある」 そんな小さな発見が鑑賞者の中で続き、最後の意味を作品ではなく見る人自身が完成させる余白を残すこと。 AIを特定の作家の表現を再現するための道具ではなく、これまで存在しなかった視覚構造を発明するための媒体として扱いながら、デジタルから生まれたイメージと、人間が長く培ってきた物質感覚との境界を探っています。My practice explores the intersection of AI as a contemporary creative medium and the human languages of memory, perception, materiality, and craft. Rather than simply generating beautiful images, I am interested in creating works that do not reveal themselves all at once. From a distance, a piece may present a strong visual presence; at closer range, material structures and subtle irregularities emerge; with time, a second image, spatial contradiction, absence, or unresolved meaning may begin to appear. The viewing experience is designed to change with both distance and attention. My visual language draws inspiration from layered and torn paper, fractured plaster, printmaking imperfections, mosaic structures, raised-looking pigment, metallic reflections, and other forms of material expression. At the same time, I work with vivid primary colors, delicate pastels, geometry, negative space, perceptual illusion, and abstraction. Rather than defining an artistic identity through one recurring motif or palette, I treat material, space, absence, and transformation themselves as a visual language. A human figure, animal, plant, architecture, landscape, abstract form—or even a shadow or empty space—may become the central presence of a work. I believe an artwork can be visually complete without being completely resolved in meaning. “What am I looking at